Hace ya cuarenta años se presentó (no sin cierta polémica) éste precioso documental sobre Euskadi en el festival de San Sebastian, un ejercicio artístico, poético, sobre una madre tierra (ama lur en euskara) que no carecía de patriótico por el cineasta Larruquert y el escultor Basterretxea.

A lo largo de algo más de hora y media de imágenes preciosistas, vemos desgranados los más maravillosos paisajes de una de las zonas más privilegiadas de la Península. Mucho verde, mucho mar, muchas fiestas de pueblos, tradición, mucha historia…. ¿Y el problema vasco? Pues no, pasa de puntillas en algún caso sin llegar a caer en la crítica, ni en la autocompasión, ni en el análisis. Y es que el documental es un canto de amor, y como todo canto de amor es vehemente, jamás puede ser objetivo ¿Y quién quiere que lo sea?

La modernidad de sus imágenes hace increíble el hecho de que tenga cuatro décadas. De hecho en más de una ocasión parece que estamos ante La mirada mágica, o La pelota vasca de Medem. Un gran documental que se puede degustar desde cualquier perspectiva, politica o moral, posible. Y como dice mi abuela: la política para los políticos.

Tras éste título que más parece de comedia tonta americana (el original “The Lodger” significa el huésped), se encierra el segundo ejercicio fílmico de uno de los más grandes, pero esta vez de verdad, del cine. La época británica y menos conocida de Alfred, aunque no por ello menos importante, incluyendo joyas mudas como ésta.

Seguro que al iluminado de Amenábar (que ya criticó, atentos, a ¡Vértigo!) desdeñe de una peli pobre, con la exageración propia del cine mudo, con una trama un tanto simple y con pocos escenarios. Claro, nada que ver con sus retorcidas m*****s de nuevo siglo. Solo que cuando el genial británico rodó The lodger, era aún más joven que él cuando hizo Tesis, y en una época que ni siquiera estaban planeados los padres de nuestro cineasta “más molón“.

Pero furias aparte, el film, que nos presenta a un asesino de “rubias”, como suena, que parece ser el huésped de una casita cuya hija es rubia y pretendida por un poli bastante empalagoso (¿cómo se puede empalagar tanto siendo un film mudo?), es un ejercicio de humildad grandiosa, ya se muestra el buen hacer de un narrador nato, un trato firmado con el entretenimiento inteligente, con la intriga de muchos quilates, una peliculita enorme. Cine, buen cine de verdad.

En los últimos años, Clint Eastwood se está saliendo de la tabla dirigiendo lo mejor de la cartelera estrenada (no olvidemos toda la producción “invisible” como dice Cahiers du cinema en su último número, que nunca llegaremos a ver), filmes más o menos controvertidos sobre la homosexualidad, eutanasia, falsa moral, justicia, diferentes versiones sobre la guerra, o participando, sin quererlo, en una estúpida polémica perpetrada por el gilipuertas de Spike Lee (siento la expresión, pero gilipuertas es lo más suave que se me ha ocurrido), que ahora no viene al caso.

Lo que sí es el caso es que durante más de 40 años, la tarea principal de Eastwood ha sido la de actuar en filmes más o menos buenos, con dosis de violencia no del todo inofensiva. Qué tonteria, la violencia nunca es inofensiva, me refiero a esto del cine, ya me entendéis. Vale Haneke! Tú no me entiendes, lo capto.

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¿Quién dijo que el cine debían ser imágenes en movimiento? El misterioso Marker, del que nadie sabe casi nada, realizó en los años sesenta filmes experimento como éste, rodado íntegramente con fotografías hechas exclusivamente para la peli. No se trata de un documental, de hecho es una historia de ciencia ficción, con actores, escenas, localizaciones y un guión más que interesante sobre viajes en el tiempo.

Extraña fotonovela, fotofilm, en un brillante blanco y negro, con una historia imposible, cíclica, apasionante y demasiado corta (26 minutos) que hace de ella una pieza única en esto del cine. Para espectadores que buscan otra cosa, sin buscar pedantería ni ombliguismo autoril. Un cineasta a tener en cuenta, aunque ya casi no haga nada.

En un mundo desolado, en una ciudad de locos, lobo entre los lobos, Ditirambo vela por nosotros. Así empieza la primera obra de ese genio tranquilo que es Gonzalo Suárez. ¿Quién es Ditirambo? ¿Por qué vela por nosotros? ¿Por qué siempre dice la verdad? Considerada como la primera obra moderna, de cine independiente, experimental etcétera del cine español, el cortometraje de poco más de veinte minutos nos muestra el fino humor surrealista de su autor, una huella imborrable de nuestra cultura.

Deudor de cierta nouvelle vague, de una estética avanzada a su época, con una sucesión de escenas impactantes y chocantes, como casi toda la obra posterior del asturiano. Fuente inagotable para futuros cineastas, las aventuras de éste extraño personaje que nunca sonríe y siempre dice la verdad, caminan entre lo cotidiano y lo más delirante.

Y hoy, 42 años después, demostrando que sigue joven, es incluído por primera vez en DVD junto al largometraje Ditirambo en un pack exclusivo de dos discos que la cadena Fnac presenta en su colección exclusiva 24 x segundo. Esperemos que sigan regalándonos (previo pago, claro) tan buen cine subterráneo.