La historia se vertebra a lo largo de cuatro historias (por favor, basta de films episódicos, ¿no se dan cuenta que no hay una peli buena que sea de episodios?) que intentan contar los diversos dramas de una sociedad donde ha triunfado el comunismo. Y es que no deja de ser un panfleto político a favor de Fidel y los suyos. Es una pena que tantos medios acaben por enterrar un film, rescatado del olvido 40 años después y descubrir que, medio enterrados, estaban mejor. Aún así hay que reconocer la labor arqueológica y fundamental de Scorsese, quizás el último romántico en esto del cine.

Como complemento interesantísimo El Mamut Siberiano, un documental que Vicente Ferraz hizo en 2005 sobre los vericuetos de dicho rodaje en La Habana con los actores y técnicos, años después recordando la experiencia. Curiosamente no hablan excesivamente bien ni del film ni del director. Algo que engrandece aún más el misterio.

En el documental se ven a los cámaras, al propio Trueba, probando escenas, riendose con las noticias de la radio, en una España gris, de esa que huele a mocasines y chaquetas de pana. Una película que desde ya mismo pasa a ser fuente de mi inspiración; gracias Chicho, gracias Trueba por regalarnos una película de las que ya no se hacen, sin prisas, y con mucho que contar.

Resnais había conmocionado a todo el mundo con aquel relato trágico, descarnado y tremendamente tierno llamado “Hiroshima mon amour”. Acababan los 50 y la nouvelle vague empezaba a gatear. Jóvenes cineastas deseaban demostrar lo buenos que eran, se rebelaban contra un cine que habían mamado (y pese a ellos les había influido) y deseaban rodar sus propias historias en la calle, de manera más espontánea (cinema verita, free cinema, cinema nuovo, Dogma 95… mil nombres para realizar el mismo ejercicio). Y de pronto viene un joven Alain Resnais y provoca a los provocadores realizando un film barroco, de estudio, alejado de las moderneces que, con el tiempo, también pasarían de moda. Hiroshima se convirtió en un film de culto casi desde su rodaje.

Algún año después volvió a recordarnos que el cine adolecía (y adolece aún hoy) de una concepción narrativa del siglo XVIII, o incluso anterior, y quiso (consiguió) desmenuzar las convenciones narrativas del cine creando una especie de ensoñación audiovisual, a base de largos travellings en un edificio barroco (como su propia escritura), con voces en off a modo de mantras repetitivos, machacones, y de una imposible historia de amor a destiempo, mal entendida e imposiblemente desarrollada. ¿Existió alguna vez aquella historia? ¿Se la inventa el hombre? ¿La intenta olvidar la mujer? Film desconcertante, netamente experimental, de un poder visual inimaginable, tremendamente moderno a pesar de sus casi 50 años.

Una maravilla casi olvidada, una verdadera obra maestra del cine. Una pieza de museo, para verla con los ojos, olerla con la nariz, escucharla con los oídos, y sentirla en el alma. No busquen un significado claro, un desarrollo lineal y convencional. Prepárense para una auténtica experiencia extrasensorial. Recuerden lo que ocurrió el año pasado en Marienbad.

Antes de que me aplaudan unos y me abucheen otros diré que Godard es una de las personalidades más necesarias del cine moderno y que su obra, aunque pretenciosa e insoportable en ocasiones, es fundacional y destaca sobre la de la mayoría.

Su militancia comunista, que apoyo, le incapacita para realizar films divertidos o al menos apasionantes, que no apoyo. Recuerdo Week-end o Tout va bien como torturas dignas del Fassbinder más inspirado, pero Al final de la escapada, A bande apart, Le mepris, Vivre sa vie y tantas otras han conseguido, a empujones, colocarse en posiciones muy altas de mi ránking personal e intransferible.

Disfruté y sufrí a partes iguales su Histoire(s) du cinema (véase en éste blog su bipolar crítica) pero me quedó el poso de creación artística sin concesiones, algo que hay que agradecer, al menos por su autenticidad.

A principios de los 70, donde a mi juicio firmó sus mayores tostones, se unió al grupo Dziga Vertov, grupúsculo donde hubiesen gozado desde León de Aranoa o Ken Loach, hasta Paco Ibáñez o Ismael Serrano. Rojeras (dicho con cariño) con cámaras en la mano. Uyyyy que miedo! El primer film, rodado por Godard antes de unirse al grupo, fue este film como los otros, pedante e irónico título ya que no he visto nada parecido durante hora y media. Imágenes de archivo con personas hablando siempre de espaldas (algunos de ellos estaban buscados por la policia), dando fiel (¿?) reflejo de una sociedad abrumada por la lucha de clases. Yo que cuando quiero soy el más rojo del reino, me aburrí sobremanera con este documental a contracorriente donde no es que no se hagan concesiones al espectador, es que no se piensa nada en él. Y Godard y los suyos dándose golpecitos en la espalda por ser los más intelectuales del lugar. 40 años después viene Sacha Baron Cohen para dejar claro que se puede criticar descarnadamente y divertir a la vez. ¿Es tan difícil?

Serie b a mucha honra, las películas de Meyer eran chapuceras, rozaban lo infantil, y aquella obsesión por los pechos exagerados y los polvos salvajes, por las carreras de coches y aquellas mujeres, zorrones capaces de acostarse con cualquiera, eran el pilar donde se asentaban unas historias mínimas, pero muy rentables. Con lo que se deduce que el amigo Meyer no era tan tonto como parecía.

Escenas de sexo, nunca explícito, aunque constante, incluido vello púbico (no olvidemos que estamos en 1968 y en una de las escenas una chica se acuesta con su hermano). Ese el cine de Russ Meyer, un bárbaro, mucho más interesante de lo que puede parecer a primera vista. Sus filmes contienen un alto contenido experimental, es un estructuralista radical, pasa del terror al humor sin pestañear, se acerca al documental, al cine de acción, incluso al político. Todo sin olvidar esas delanteras que se convirtieron en marca de la casa. Hoy solo nos queda decirle a Russ Meyer y perdonen el chiste: el busto es nuestro.

Yo no voy de niño que delata la desnudez de ninguna monarquía, pero no entiendo que ha visto nadie en los films de Hal Hartley. Hoy, con una obra asentada, es considerado como el paradigma de cierto cine independiente, o indie, que mola más aunque en el fondo da más miedo. Claro que no es lo mismo un cine indie de un pais x que un cine indie neoyorquino, donde parece que cualquier bazofia es vanguardia. Pues si estas pelis son vanguardia, lo siento mucho, pero prefiero quedarme en la retaguardia.

Snob, intelectualoide de salón, vacío, aburrido, repetitivo, pedante, el cine del Medem neoyorquino es una apuesta por el “vamos a dejar boquiabiertos al respetable, que me adoren”. Algo de lo cual es muy libre, pero que dice mucho de su apuesta por la auténtica narración y por el arte. Si me quieres contar tres veces la misma historia, cuéntamela, pero no tienes que irte a tres países diferentes, ya sabemos que el ser humano se comporta de igual manera aquí (Nueva York claro, aquí siempre es America) que en Tokio. Pero es que es más fashion ¿no?

En fin, que si queréis ver tres veces la misma historia, esto es, tirarte hora y media para ver lo que ya te han contado en la primera media hora, esta es tu peli.

El film es de una libertad experimental impresionante, teniendo en cuenta que la producen Coppola y George Lucas (los directores que más me gustan como productores que como directores propiamente dicho).

Resulta extraño ver esta especie de biopic, que no es tal, de una de las personalidades más desconocidas de la literatura. Muchos conocen a Mishima, el nombre, pero muy pocos saben mucho más, entre los que me incluyo. De hecho nunca he leído nada de él, y tras ver la peli creo que nunca me lo tomaré muy en serio.

Las dos horas de metraje se dividen en tres fases narrativas bien diferenciadas: los últimos momentos de Mishima, con una fotografía digna de las películas de Ken Loach, un paso intermedio en pasado, en riguroso blanco y negro, y la parte más experimental, una colorista representación, muy teatral, de varias de las novelas del escritor.

Es una película que no ha envejecido muy mal (quizás la parte teatral sea la que peor lleva su edad) y que se sigue con la misma intensidad que la partitura de su banda sonora, firmada por el gran Philip Glass. Una película que, esperemos, Sherlock la saque dentro de poco en dvd.

Y es que la trágica historia de amor truncado de Ivan y Marichka es un tiovivo donde las escenas se reproducen como por esporas, la cámara vuela, cae en picado, se tiñe de colores cálidos y gira como enloquecida, al ritmo de un etílico guión anclado en el pasado. Parajanov sabe que su cine no será popular, y ya metidos en harina decide seguir experimentando, con las posibilidades escénicas (y nos encontramos en los 60), Es como si Dostoievski hubiese tomado láudano, o sin ir más lejos, estuviese sufriendo un ataque epiléptico. Clasicismo vanguardista, o modernez anticuada, el caso es que la injusticia se ha roto y hoy conocemos a este autor.

Entren a ver el espectáculo, no os dejéis llevar por lo que os pueda sugerir su apellido (de entre todos, los rusos, suenan muy intelectualoides) y déjense llevar por un cine hecho por amor al arte. Mañana veremos la de Transformers, anda.

El añorado Eloy de la Iglesia fue el más osado, contracorriente, mosca cojonera y demás de un cine imposible en la era de la censura. Hoy que no hay censura, el cine parece Bambi junto a la obra bárbara de éste monstruo.

A mediados de los 70, en los días de la muerte de Paco, esto es, en la era predemocrática, el donostiarra se desmarcó con una historia gótica, que hubiese hecho las delicias del marques de Sade o del propio Buñuel. Un profesor adinerado (estupendo Javier Escribá) secuestra a dos de sus alumnos en su mansión para dar rienda suelta a un mórbido juego. En dicha mansión habita también otro joven (estupendo Simon Andreu), también retenido, pero que accede a los juegos de la mente perversa del profesor. El sexo incipiente en la pareja recién secuestrada desatará un desenlace imprevisible. Mortalmente maliciosa, para nada moralizante, nunca lo fue su cine, este juego de amor prohibido, esta partida a tres bandas, se erige como un artefacto explosivo aún hoy día. No quiero ni pensar lo que pudo resultar hace 35 años. Por eso Eloy fue tan grande, a pesar de lo mal que le ha tratado siempre parte de la crítica cinematográfica. Cine de verdad, osado. Vamos, con un par.

Todo comienza con la subasta de tres cajitas de música, aparentemente sin valor e idénticas entre ellas. Apenas tienen salida, un coleccionista de cajitas de música y algún que otro curioso. Pero de pronto alguien aparecerá con muchas ganas de tenerlas todas, llegando incluso el crimen. Entonces…¿qué pasa con dichas cajitas?

La historia peca, en ocasiones, de ingenua y es precisamente lo que la hace entrañable y maravillosa. Puesta en escena sencilla y muy televisiva y unas actuaciones ajustadas a un guión básico, lejos de las maravillas literarias de Sir Arthur Conan Doyle. Eso sí, perfecta para las tardes de domingo. Ah! Y crea adicción.