En el cine pretendidamente social se puede caer en varios excesos; se puede ser muy condescendiente (las poelis de León de Aranoa), ser demagógico (Ken Loach), romántico y panfletario (Guediguián), seco y amargado (hnos Dardenne) o mostrar una tristeza infinita sin solución (Mike Leigh).

También se puede contar lo que sucede en aquellos lugares recónditos, lugares donde nadie quiere mirar, de la manera más veraz, documental, radical, sin concesiones, que quepa imaginar. A esta última manera se adhiere el cine demoledor de Pedro Costa (el portugués, no confundir con el productor y cineasta español). Y es que su cine es como la música que hacía en los ochenta: muy punk.

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De todos los post que he escrito en estos años, el anterior es el peor. Los ha habido mejores o peores, pero lo peor que se puede hacer es escribir sobre una joya, una auténtica obra maestra con prisas. Aleksandra no es solo la mejor película de la cartelera actual, es un canto de amor a la vida, al cine, al arte, es un ejercicio de introspección en un mundo de guerras y desconcierto, es un intento de buscar flores en la basura.

La mirada de la abuela, atónita a cómo los soldados limpian sus armas, en lo que quizás pongan más amor que en otra cosa, los paseos por el campamento militar, las preguntas que hace a todos y cada uno de ellos, el amor con que la reciben como si fuese la abuela de todos ellos…. El film tiene miles de momentos mágicos como ésos. Una película ambientada en la guerra chechena, donde no se oye un solo disparo, donde los silencios son tan importantes como las palabras, la incomodidad, el calor, el cansancio de la mujer mayor. Pero además la película nos cuenta mucho sobre la guerra, vemos por dentro un tanque a la vez que lo ve por primera vez Aleksandra y la entendemos perfectamente, en esa clase de triste fascinación.

Film corto, de apenas hora y media, donde transcurre el tiempo de forma especial, sin prisas, pero sin aridez, como solo los maestros saben hacerlo, con un tiempo que solo pertenece al universo de dicho film. Los ojos (y demás sentidos) se relajan, se dan un baño de quietud y paz (algo curioso siendo un film de guerra).

En fín, una película que no será muy reconocida por el gran público, que será patrimonio casi exclusivo de los cinéfilos (auténticos arqueólogos fílmicos) que se cansarán (nos cansaremos) de recomendar en balde.

Ver un film de Sokurov es todo un lujo. Por dos razones; porque siempre es buen cine y, la más dolorosa, porque no suele estrenarse en nuestro país su filmografía.

Conocido casi exclusivamente en cineclubs o por la labor encomiable del sello de DVD Intermedio, la obra del cineasta es de lo más interesante que se hace actualmente y Aleksandra se convierte en una especie de oasis cinematográfico en una cartelera vieja y aburrida.

La visita de una mujer mayor a su nieto, oficial, en un campamento militar checheno es el desencadenante de una de las películas más tiernas, especiales y seductoras que yo haya visto en mucho tiempo. Los planos de la mirada de la abuela a todo lo concerniente a la labor de su nieto, todo lo concerniente a la guerra y la espectación y fascinación que ella crea sobre todos los soldados es mostrada con unos planos hipnotizantes, con una banda sonora espléndida, un gusto por el buen hacer cinematográfico que hace de este pequeño film una joya perdurable. Sobresaliente alto.

En otro momento, quizás con más tiempo ahondaré más sobre la obra de Sokurov.

Hace unos días hablaba de los remakes y citaba esta textual revisitación al infierno (me río yo de Rambo) que es Funny games. Hace diez años más o menos, el señor Haneke quiso explorar la violencia (como ya había hecho años atrás con “Benny´s video“) desde el punto de vista de alienación audiovisual. Criticaba el consumo de violencia de consumo (valga la redundancia) y mostraba que la violencia es algo para nada divertido. Un golpe bajo en el mismo medio que utiliza Tarantino para todo lo contrario. Donde el americano muestra espectáculo, el austríaco muestra vísceras.

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En 1951 John Ford dirigió “El hombre tranquilo” en Irlanda, concretamente en Innisfree. La película tuvo varios Oscar y supuso un punto de inflexión en la carrera, ya de por sí importante, de su director. En el film un boxeador retirado por un accidente trágico, decide rehacer su vida en un tranquilo valle irlandés. El propio Ford, cuyos antecedentes eran irlandeses, quiso rodar parte del film en la casa de sus antepasados, algo que no pudo ser, aunque sí consiguió rodar en la zona.

40 años después un desconocido pero prometedor cineasta vuelve al lugar para retratar aquellos valles, a su gente y hacer buen cine. Jose Luis Guerín rodó su primer documental en un lugar húmedo, verde, en otro idioma diferente al suyo (y aún más complejo, ya que muchos de los entrevistados no hablan inglés, sino gaélico), pero da la sensación de sentirse a gusto, como en casa. Y es que el cine es la casa de Guerín. Su pasión por el celuloide y el medio audiovisual puede ser comparada con la de Ed Wood (distancias estéticas aparte).

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