También es verdad que en muchas ocasiones la cercanía de su resolución hace que parezca que estás viendo una peli porno, pero eso es un problema propio en cuanto a estética.

Michael Mann, grandilocuente cineasta proveniente de la tele, se ha apuntado al carro del HD y disfruta con sus televisivas películas, de sus primerísimos (y epidérmicos) planos de los personajes de turno, algo que ya se vislumbraba en Collateral, Miami Vice.. y en Enemigos Públicos, su último peliculón…con reservas eso sí.

El film funciona bien como cine “de Dillinger”, aunque en esta ocasión el HD no le vaya tan bien, no sé, los gangsters se ven mejor en cine, ya el color molesta un poquito, pero el digital, con esos destellos de las metralletas…

Los actores están perfectos, Johnny Depp realiza su enésima actuación memorable, el film está sobresalientemente resuelto (asesinato de Dillinger, salida de la cárcel), pero hay algo que quizás le falte. Puede que sea ese regusto a celuloide. Con lo que me gusta el video digital…

El cineasta se dio a conocer con una película fantástica llamada Nadie sabe, una oda a la cotidianidad de unos niños sin mayores, rodada con una sensibilidad envidiable, un cineasta a seguir. Más tarde conseguí ver Alter life, una de las historias más bonitas, cargada de una lírica asombrosa y, de nuevo, una sensibilidad envidiable. Vamos un director más que recomendable.

Pero ahora va y se descuelga con una de las películas más hermosas, románticas en todos los sentidos, y vitalistas de la cartelera en mucho tiempo. La historia de unos hijos adultos que visitan a sus ancianos padres un fin de semana, narrado, otra vez, con una sensibilidad envidiable, y es que ya podemos decir que Hirokazu Kore-Eda es un humanista, al igual que el Desplechin de Un cuento de navidad. Nos acerca a todos los personajes con cariño, desgrana las conversaciones con paciencia, sin prisas, en un film que llega a ser, en ocasiones, mágico. De nuevo la infancia, pero esta vez con mayores. Un peliculón, una joya, no sé cual será su perdurabilidad, pero no siempre hay que ser Kurosawa, ¿no?

Pero vamos a lo que nos importa. A menudo pienso que las películas más interesantes las firman las personas que menos tienen que ver con el cine propiamente dicho. Pintores, escritores, cantantes… Quizás porque no se dejan llevar por el modus operandi de la técnica. Pues bien, Julian Schnabel, un pintor modernísimo, amigo de gente cool tipo Bowie, lleva años firmando lienzos y bobinas de celuloide, con diversos resultados. A él le debemos pestiños como el biopic de Reynaldo Arenas, Antes que amanezca, con un excesivo Bardem. No obstante su estética sobrepasaba lo visto en una sala.

Y repitió hazaña con ésta adaptación de una novela muy conocida en Francia. En ella un hombre de buena posición sufre un ataque cerebral y queda totalmente paralizado a excepción de un párpado con cuyo movimiento, en lenguaje tipo morse, consiguió escribir el best seller.

Pues bien, la historia tiene sobrados motivos para convertirse en un lacrimógeno telefilm de sobremesa, pero en manos del bueno de Schnabel se convierte en una suerte de juego intelecto-artistoide donde se pretende mostrar lo que ve un tetratpléjico…Casi nada. Todo ello contando con alucinantes escenas que parecen sacadas de un videoclip, para acabar contando una historia sin garra y con muchas pretensiones. Dos de dos, no sé si veré una tercera película de éste pintor.

Hay películas cuyas imágenes parecen golpear la tela (o cristal) de la pantalla con la intención de alcanzarte. Algunas hieren tu sensibilidad, otras solo magullan hora y media de tu vida. Entre estas últimas se encuentra éste díptico. Lejos de mostrar excesos visuales del estilo Miike, y para nada interesado en rasgar tu pupila como Von Trier, Johnnie To (el moderno y asiático Scorsese) se contenta con entretenerte (distraerte) para ir tejiendo una red a tu alrededor. Y es que sabe contar una complejísima historia de familias (sectas) y traiciones.

Domina la puesta en escena casi teatral para dosificar la violencia que, cuando estalla, muestra toda su sequedad, lejos de artificios del nuevo cine. Clásico y moderno a partes iguales, To nos envuelve en una historia de difícil lectura pero de satisfactoria digestión.

Un poco tarde nos viene su obra, pero parece que el bueno de Johnnie viene para quedarse, y mpezar con el díptico Election es, valga la redundancia, una buena elección.

No voy a venir ahora a hablar de las maravillas de Miyazaki, de la Dreamworks ni de la Pixar entre otros, pero sí que voy a recomendar el visionado de la última obra de ésta última.

Aquí mismo se habló con gran fervor de Wall-e como una de las mejores películas del año pasado. Por ella pasaban Tati, Chaplin, Kubrick… Una delicia para niños, adultos y, sobretodo, cinéfilos.

Hoy toca el turno de Up, donde se dan la mano las películas de aventuras que veíamos de pequeños en la sobremesa y una de las películas más hermosas que he visto “El globo rojo” de Albert Lamourisse.

Como siempre en Pixar, la importancia es casi mayor en la profundidad de los guiones que en las piruetas técnicas de última generación. Las historias se desarrollan con una precisión y una energía apabullantes, como muestra un botón; los primeros minutos del film cuentan toda una vida en escasos planos mudos, hilados con maestría.

Y es que los chicos de Pixar son virtuosos en todo; dibujos que rozan la perfección (anatomía de cada personaje), sus historias son divertidas y profundas (esa casa que se lleva a cuestas como símbolo del peso de sus recuerdos) y la manera de contar dichas historias (del drama a la comedia, de la realidad a la fantasía de un plumazo y sin necesidad de calzador).

Y el resultado es obvio, una obra maestra con mayúsculas que disfrutará toda la familia, pero sobretodo los adultos, por todo el jugo que podrán sacar de ellas. Y los cinéfilos ni te digo.

Basado en un comic que no he leído, el film se abre paso a codazos, patadas y disparos para desarrollar una de las historias más absurdas y ridículas que ha dado el nuevo cine americano hecho por extranjeros (con papeles). Y es que solo puede producir hilaridad esta historia porque, de tomarla en serio sería como para pensarse el juzgar y condenar a los guionistas por el trasfondo “peligroso” de su propuesta. Si “El club de la lucha” podría ser tomada como apología del terrorismo, “Wanted” es un alegato al “como mola matar”. Y es que en muchas películas hemos visto violencia estilizada y preciosista, pero en la película que nos ocupa es que apetece sumergirte en dicha violencia, y es que como se dice en el film, si no matas no eres nadie.

Estoy pensando en los descerebrados, marginados de la fiesta de fin de curso, humillados en el trabajo etc, que puedan ver esta película. ¿Cómo la entenderán? Espero que como la gran comedia del siglo, porque sino… Sálvese quién pueda.

Los huecos bajo techo, las heridas cerradas, cicatrizadas, no producen sino vacío, esa sensación de desesperante movimiento mecánico.

Las películas se han desarrollado como elementos mecánicos, químicos, y ahora electrónicos que se retuercen una y otra vez para hablar de una flor. La vida, así sin más. El otro día hablaba con un amigo sobre el concepto, trilladísimo, del buen y el mal cine, sobre lo que es comercial y lo que no, y yo llegué a la conclusión de que todo es comercial. Nadie se funde el dineral que cuesta hacer una peli para que otro se ahorre las sesiones de psicoanalista. Y es que el cine no es gratis, ni para el creador, ni para el productor, ni siquiera para el espectador. Luego tiene que haber algo más. Y ese algo debe tener que ver con el hombre, ya que es quién lo crea y consume.

Siempre me han parecido forzadas las historias de familias que se reencuentran por Navidad o por la enfermedad de alguno de los integrantes. Me costaba entender la creación de un género en sí mismo. Gente echándose los trastos a la cabeza para acabar tomándola con el pobre pavo.

No soy de los que odian la Pascua, ni las reuniones familiares, pero no eran un tema que me apasionase. No obstante recuerdo el estreno de Celebración de Winterberg como un pequeño gran estallido en mi concepto de “ver” películas. Y creo que fue la última película que vi de esa temática.

Arnaud Desplechin, ese gran desconocido en nuestro país, es el enésimo cineasta francés que firma grandes películas que diseccionan nuestro mundo en presente, desde el hombre (otros serían por ejemplo, Eric Zonka, Olivier Assayas, Laurent Cantet), un cineasta osado, capaz de sacrificar una inmensa lírica por una puesta en escena, en ocasiones, trasgresora, o por lo menos atípica. Dibujante preciso de perfiles, sus personajes callan más de lo que hablan, y eso que hablan y mucho, sus films son trocitos de vida(s), como en los films de Nobuhiro Suwa, cuyos planos acaban con el fín del propio celuloide.

Desplechin se atreve con un subgénero netamente yanqui, y supongo que a más de uno echará para atrás tanto el título, como la portada (de comedia mala), como de su premisa argumental, pero no olvidemos que estamos en Europa, que el cine no siempre es lo que parece y que, en este caso, el autor es un caso sobresaliente del nuevo cine francés.

Desde los primeros planos ya nos vamos dando cuenta que no vamos a ver una película al uso, al menos en su género. Se nos presentan a los personajes de diversas formas, a cada cual más expresionista, sin dejar de evocar el juego de luces y sombras que es el cine y la vida en definitiva. Enredos familiares que darían pie a una comedia enloquecida que no se da porque el interés de Desplechin es otro, alejado del vodevil. Y es que hablamos de personas que ríen y lloran, que sufren y hacen daño, de héroes y villanos, de poliedros con patas con sus complejos y complejidades, vamos, de esa institución que es el núcleo familiar. Hay humor, hay drama, hay odios y pasiones, hay vida, mucha vida. Quizás por eso es una de las mejores películas que he visto en mucho tiempo, porque no es una maquinita, es un corazón que late.

El film ataca sin piedad muchos tabúes sin moraleja final. El actor empezaba a labrar una buena/mala reputación.

Ahora llega a las salas Brüno, una de las películas más salvajes de la cartelera, y no es gratuito decirlo, se trata de una visión descarnada de la convenciones no solo de America, sino del ser humano. Es tan brutal que molestará incluso hasta las mentes mal pensantes. Y seguramente tanto Sacha Baron Cohen (actor) como Larry Charles (director) sean tanto amados como desdeñados en todo tipo de ámbitos cool. Sus películas son machistas, racistas, antisemitas, aparte de bromear con la pederastia, las violaciones, las enfermedades de todo tipo (¿por qué mola el autismo? Porque es divertido), las guerras, los gays, las comunidades afroamericanas, el ejército, las reuniones de swingers (cambios de pareja y orgías)… Vamos, que Baron Cohen se siente muy a gusto en su papel de decapitador de títeres, ya que no queda nadie a salvo. Pero lo bueno es que se ríe, sobretodo, de sí mismo.

El problema de Brüno es que se trata de un hermano gemelo (y locaza) del otro film. Es impresionante lo calcado del guión y la resolución del mismo en ambas cintas. Pero el redoble debía ser aún mayor que hace tres años, por eso, esta locaza austríaca del mundo de la moda resulta ser mucho más irreverente que el periodista kazajo. El film contiene las escenas y los diálogos más salvajes que yo haya visto en una sala de centro comercial en mucho, (véase la, incómodamente larga, escena de sexo virtual entre Brüno y el fantasma de uno de los Mili Vanili). El humor se congela en ocasiones en que roza el límite de lo permisible (el niño negro al que factura en una caja llena de agujeros y que ha cambiado por un iPod, para ser como Brangelina o Madonna), para sorprender con una escena dramática que vuelve a desembocar en otra tropelía descerebrada. Y todo envuelto en un producto disfrazado de falso documental que no será tan bien recibido como muchos puedan pensar. Y es que no creo que sea un film comercial, al menos en el sentido de que pueda gustar a mucha gente (en la sala estábamos dos y, tras la mencionada escena de sexo virtual, la chica se fue de la sala).

Tanto Borat como Brüno son dos productos más que notables donde el humor, todo hay que decirlo, no funciona siempre. Filmes articulados a base de sketches con una leve trama absurda (en Borat era conocer America primero, y conocer a Pamela Anderson después, en Brüno ser famoso primero, y ser hetero después), se nota su origen televisivo.

Pero la gracia viene al final de ésta especie de díptico amoral, que no pienso destripar, donde Brüno, rodeado de celebridad parece decir al espantado espectador: ¡que no!

Entonces, más tranquilos nos vamos a casa sabiendo que todo es una broma…¿no?

My wife, Mari Sol Bastida is directed, este documental sobre nire bizitza, my opus, nire musika, mi heart. ¿Lo comprendió, compadre? Así como que sí, pero no, mi cuate, no te me requetechilopaes.

Hegoak ebaki banizkion (si le cortara las alas….) ayayayayayayayayayayay!!!!!
Baga, biga higa, laga, boga, sega, zain soin bele, arma tiro pum!
All of us, o sea “gu”, Lekeition gara, o bajo las bombas de Gernika.
And you, dear Mikel, que estás en los cielos…hallowed be thy name.

En homenaje a uno de los mayores genios de la cultura vasca, luchando eternamente por la paz y creando una obra sin igual. This is for you, queridísimo Michael Laboa.

Jovencísimos soldados, aprendices del odio bajo la máscara de la seguridad, acampan en Tayikistán, esperando, siempre esperando, un ataque. Los miedos, inseguridades, y tensiones se respiran en los planos de una cámara atenta en todo momento. Una voz en off, leyendo una suerte de diario, en ocasiones demasiado lírico y pedante, una música clásica para dar ese toque arty, y unos planos eternos queriendo captar eso tan difícil que es el tiempo.

No es un documental fallido, no me atrevería a decirlo, pero no es la oda pacifista que esperaba Sokurov. Y es que abrirse paso a través de un documental que arranca con un plano fijo de ¡media hora! No es fácil. La pretensión artística campa a sus anchas a lo largo de los baratos y digitales 300 y pico minutos. En ocasiones fascinante, a menudo aburrido y reiterativo, el documental es una rareza de un cineasta sublime la mayoría de las veces. Personalmente prefiero Alexandra, una pieza que tiene mucho en común con éste Escorial. Me da pavor pensar cuánto hubiese tardado en rodarlo Kubrick…